Nicolás (Niko) Valese es un artista argentino de efectos visuales con 34 años de edad y residente en Copenhague, Dinamarca. En esta entrevista, Valese nos lleva a través de su fascinante viaje en el mundo del cine y la televisión.
Con una experiencia de 6 años en el estudio Ghost VFX, Niko ha trabajado en proyectos de alto perfil para Disney (incluyendo Star Wars), Marvel, Netflix, Amazon y más.
Comparte su conocimiento sobre el proceso de creación de efectos visuales, el impacto de la inteligencia artificial en la industria y las habilidades necesarias para tener éxito en este campo. También aborda la polémica sobre la calidad del CGI actual y ofrece valiosos consejos para aquellos que aspiran a una carrera en efectos visuales. Además, nos cuenta cuál ha sido el impacto de la IA en la industria audiovisual.
Pueden seguir a Nicolás en Twitch como @niko_o_ y en Instagram como @niko_ok
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Niko, cuéntanos un poco sobre ti y cómo llegaste a trabajar en efectos visuales en Copenhague
¿Por dónde empiezo? Tengo 34 años y vivo en Copenhague, Dinamarca. La razón por la que vine aquí fue por el trabajo que tengo ahora. Vine directamente por el trabajo, no es que haya venido y buscado aquí. De hecho, antes de que me ofrecieran este trabajo, posiblemente no tenía ni idea de dónde estaba Copenhague. Pero sí, llevo 6 años aquí, bastante tiempo. Supuestamente había venido por 3 meses, pero esos tres meses se transformaron en 6 años, nunca me fui al final.
Me imagino que el cambio fue bastante radical, pero a la vez es algo que te gusta mucho, entonces te has adaptado bastante bien
Nico: Sí, sí, exactamente. Aparte, todo ha funcionado muy bien desde el principio. Me gustó mucho el estudio, me gustó Copenhague… Así que cuando se terminó ese pequeño contrato que me hicieron, me ofrecieron quedarme fijo y no lo pensé mucho la verdad.
¿En qué estudio estás actualmente y qué proyectos estás manejando?
El estudio se llama Ghost, como fantasma en inglés. Los proyectos actuales no los puedo decir por contrato, hasta que no se estrenan no se puede decir nada. En general, hacemos muchas cosas para Disney, principalmente todos de Star Wars, ya sean series o películas. También hemos trabajado en algunas cosas de Marvel, con Netflix, con Amazon también, y hay algunas que ya no me acuerdo, por ejemplo, Walking Dead, Pero sí, más o menos siempre con la gran mayoría de plataformas de streaming o películas.
¿Qué tecnologías son las mejores para trabajar los efectos visuales especiales actualmente, tanto en hardware como en software?
En software, obviamente el abanico es enorme, desde 3D hasta composición, que es lo que yo hago, que es como la etapa final. En 3D es muy relativo a cada estudio, creo que hoy en día se sigue usando más que nada Maya de Autodesk, pero hay muchos estudios que son más flexibles y pueden usar otros softwares.
En definitiva, considero que hoy en día todos los softwares están tan desarrollados que, si uno sabe hacer las cosas bien, puede hacer cualquier cosa con cualquiera. Es verdad que hay ciertos softwares que se especializan o tienen herramientas mejores que otros para ciertas cosas puntuales. Pero, de vuelta, si agarras a un pintor profesional y le das un solo pincel, lo hará mejor que otra persona con 500 pinceles diferentes y de mejor calidad. Maya, al menos por mi experiencia, es lo que más se usa. Y en composición, que es lo que hago yo, se usa un programa llamado Nuke de la compañía Foundry, que es el estándar en la industria.
En cuanto a hardware, siempre es lo máximo que puedas poner porque el 3D siempre va a consumir al 100 % de lo que tengas. Así que da igual, por más que tengas una máquina de la NASA, siempre lo va a exprimir y lo va a aprovechar el 3D. Así que en realidad es como que todo lo que se pueda, bienvenido sea.
Para los que no estamos en el mundo de efectos especiales, hablas de que trabajas en composición, ¿qué va antes de eso? ¿Cómo es ese proceso para construir efectos especiales?
Mi trabajo varía según el proyecto, pero si empezamos desde cero, generalmente arranco con el arte conceptual, la semilla de la idea. En proyectos como los que hacemos para Star Wars, partimos con ventaja porque ese universo ya está construido. Nos dan referencias, como “Mira, este personaje aparecerá en la película”, con su diseño y características definidas. La exploración artística ya está resuelta.
Pero cuando no es así, el arte conceptual es el punto de partida. Luego, pasamos al modelado 3D y el texturizado, a menudo realizados por el mismo equipo. Sigue el “rigging”, donde creamos el esqueleto y los músculos del personaje para prepararlo para la animación. Cada etapa es una especialidad, con artistas dedicados exclusivamente a modelar, texturizar o crear el esqueleto para los animadores.
Después de la animación, llega la iluminación y los renders, para finalmente pasar a la composición. Aquí es donde todo se une. A veces, un personaje 3D necesita integrarse en un entorno real, no en uno generado por computadora. El compositor toma el personaje, las explosiones, o cualquier otro elemento, y los fusiona en una sola toma. Se asegura de que todo parezca real, que el personaje 3D interactúe con su entorno, con las explosiones, y que todo conviva en el mismo espacio.
¿Cuánto tiempo toma todo este proceso normalmente?
Pueden ser meses. Depende de qué cosa sea, pero si fuera un desarrollo de un personaje entero, sí, sí, meses seguro.
¿En este proceso han venido empezando a utilizar alguna técnica de inteligencia artificial o están pensando empezar a utilizarla?
Sí, la Inteligencia Artificial se está haciendo un hueco en el mundo del arte, especialmente en el área del concept art. Parece casi planeado, como si hubiera ido conquistando terreno paso a paso. Primero fueron las imágenes, y ahora el concept art está casi completamente dominado por la IA. En cuanto al video, todavía está en pañales, pero hay que estar atentos, porque las imágenes también parecían algo raro hace un par de años y mira dónde estamos ahora.
Hay mucha controversia sobre el uso de la IA, principalmente por el tema del copyright. Pero para el concept art, que se trata de explorar ideas y generar bocetos rápidos, la IA es una herramienta increíble. Antes, un artista podía tardar días en crear un diseño, mientras que la IA te genera 30 en segundos. Literalmente, puedes tener miles de opciones de alta calidad en una tarde. Sé que algunos artistas no estarán de acuerdo, pero la verdad es que la IA ha alcanzado un nivel impresionante.
Donde la IA todavía tiene dificultades es en plasmar ideas muy específicas. Si tengo una imagen exacta en mi cabeza, es difícil que la IA la genere por sí sola. Ahí es donde los artistas siguen siendo indispensables. Pero cuando se trata de explorar conceptos, como cuando un cliente te pide un extraterrestre sin tener una idea clara, la IA es imbatible. Te permite generar miles de opciones en un instante, y seguro que alguna te gustará.
En cuanto al video, la IA todavía tiene mucho camino por recorrer. Aunque ha avanzado mucho en los últimos años, todavía carece de la precisión y la capacidad de corrección que se necesita en la industria del cine. Aquí, los detalles son cruciales, y no puedes simplemente dejar que la IA haga lo suyo sin control. Hasta que la IA no pueda corregir sus propios errores, no será una herramienta viable para la producción final de videos, al menos no en el cine.
Por ahora, la IA es una herramienta increíble para la exploración y la generación de ideas, pero el toque humano y la capacidad de refinar detalles siguen siendo esenciales en el mundo del arte y el cine.
¿Tienen miedo de que la IA los reemplace?
La inteligencia artificial está cambiando las cosas, eso es innegable. Nos puede ahorrar mucho tiempo en tareas repetitivas o complejas, como crear el fondo de una escena con un edificio en llamas. Imaginate, en vez de pasar horas dibujando y pintando, simplemente le pido a la IA que genere una imagen con la calidad y resolución que necesito, ¡y listo! Incluso podría modificarla un poco si hace falta.
Pero de ahí a que la IA pueda crear un personaje principal con todas sus sutilezas y emociones, hay un gran trecho. Ahí es donde entra nuestra creatividad y criterio humano. La IA puede ser una herramienta increíble para agilizar el proceso, como generar bocetos iniciales para un personaje, ahorrándonos días de trabajo. Pero el toque final, la expresión, la personalidad, eso todavía necesita de la mano del artista.
En el mundo del video pasa lo mismo. La IA puede ayudarnos a ahorrar meses de trabajo en tareas tediosas, pero la parte creativa, la que le da alma al proyecto, esa sigue siendo nuestra.
En resumen, la IA es una aliada poderosa, pero no un reemplazo. Nos ayuda a optimizar nuestro tiempo y esfuerzo, pero la visión y el talento humano siguen siendo irremplazables.
¿Qué habilidades crees que son las más importantes para tener éxito en este campo?
Déjame contarte, hay un montón de áreas en estos departamentos que mencioné, algunas súper artísticas y otras muy técnicas. A veces la gente cree que para las técnicas necesitas tener una vena artística, como saber dibujar o algo así. Pero no siempre es cierto. Depende del departamento, puede ser un plus, pero hay muchas cosas que puedes aprender desde cero si te pones a estudiar.
Por ejemplo, el concept art, que ahora está dominado por la Inteligencia Artificial, ahí sí que el dibujo y las habilidades artísticas son importantes. Pero en muchas otras áreas, lo que necesitas es dedicación y tiempo para aprender.
Quiero conocer tu punto de vista sobre una polémica que hay todo el tiempo en redes ahorita, que habla de que el CGI era mejor hace unos años y ahora es peor, ¿qué piensas al respecto?
El tiempo es nuestro peor enemigo. La cantidad absurda de películas y series que se producen hoy en día genera una presión inmensa, y los plazos de entrega son simplemente imposibles. Esto, sin duda, afecta la calidad final del trabajo. He visto resultados finales que te hacen pensar: “¿Cómo aprobaron esto?”. Y lo peor es que a veces vienen de estudios que han hecho trabajos increíbles, lo que te deja con la pregunta: “¿Qué pasó aquí?”.
Las razones pueden ser muchas, desde plazos ajustados hasta clientes difíciles. Siempre he creído, incluso cuando trabajaba en estudios más pequeños en Argentina, que hay demasiada gente involucrada en el proceso. Demasiados puestos de trabajo que, en mi opinión, no están justificados. Imaginate: somos un estudio, hacemos nuestro trabajo, lo revisa el supervisor del estudio, hace cambios, pide ajustes, y finalmente lo envía. Luego, del lado del cliente, dependiendo de la estructura, puede haber otro supervisor, un director, etc., que también revisan y piden cambios. Y finalmente, el cliente final repite el proceso.
Si pensamos en esos intermediarios, que a veces son estudios subcontratados porque el estudio principal no da abasto, tienen que justificar su existencia. Entonces, aunque el material que reciben esté bien, tienen que hacer algo con él. Siento que hay mucha gente en el medio que necesita justificar su puesto, y eso a veces lleva a cambios que no mejoran el producto final.
Estoy seguro de que muchos artistas de VFX estarán de acuerdo conmigo: las versiones finales que se publican no son las mejores que se hicieron. Es como una curva: empiezas a trabajar en una toma, la calidad va subiendo, subiendo, hasta que llega a un punto máximo y empieza a bajar porque te piden cambios que no tienen sentido. Cada cambio la empeora un poco más. En lugar de estar al 100%, se aprueba algo que quedó al 70 u 80%. Puede que aún se vea bien, incluso impresionante, pero nosotros, los que trabajamos en ello, sabemos que había una versión mejor. Y todo porque quedaban dos semanas que había que justificar, con gente que tenía que dar feedback y no podía decir simplemente: “Está perfecto, no hagas nada durante dos semanas”.
Esto pasa mucho. Puede ser por un cliente problemático, por demasiados cambios, por falta de tiempo… A veces las expectativas son demasiado altas y simplemente no hay tiempo para alcanzarlas. Entonces se dice: “Bueno, no importa, la fecha de estreno está fijada, tiene que salir como sea”.
Hay muchos ejemplos de esto. Ves algo y piensas: “¿Cómo puede ser que esto se vea tan mal?”. Y no es culpa de los artistas. Estoy seguro de que hay gente súper talentosa obligada a hacer cosas feas porque se lo piden. Es el famoso “el cliente siempre tiene la razón”.
¿Qué consejo le darías a aquellos que quieran seguir la carrera de efectos visuales?
Sé que mi experiencia es solo eso, mi experiencia, y las cosas pueden ser diferentes para otros. Pero quiero compartir mi camino porque demuestra que es posible. Aprendí todo lo que sé sobre efectos especiales en YouTube, viendo videos y practicando por mi cuenta.
A veces pienso que tomé el camino más difícil. Estudié diseño gráfico, pero nunca lo usé profesionalmente. Podría haber ido directamente a estudiar efectos especiales, pero en este campo, un título universitario no importa. En todos los estudios donde he trabajado, nunca me preguntaron por mi título. Lo único que importa es tu portafolio y lo que sabes hacer. Si les gusta tu trabajo, te contratan.
Así que, si tienes la oportunidad de estudiar efectos especiales formalmente, ¡hazlo! Pero si no, no te desesperes. Ser autodidacta puede ser más lento y difícil, pero como puedes ver en mi caso, es totalmente posible llegar a donde quieres.
Cuando empecé a aprender por mi cuenta, a veces me preguntaba si realmente estaba aprendiendo lo suficiente o si me estaba volviendo bueno. No sabía hasta dónde podía llegar. Pero aquí estoy ahora, trabajando en lo que amo. Así que sí, fue efectivo.
Mi consejo es que si realmente te apasionan los efectos especiales y tienes talento, es solo cuestión de tiempo y práctica. Sigue aprendiendo y practicando, y eventualmente alcanzarás tus metas.
Para cerrar, ¿qué tan cierta es la afirmación de que las películas que tienen los mejores efectos especiales son aquellas donde esos efectos no se notan?
A ver, déjame explicarte. Si un efecto especial no se nota, obviamente está bien hecho, ¿no? Pero… ¿qué es un “buen efecto”? Depende de lo que busques. Si estás haciendo una película de ciencia ficción con dinosaurios, por ejemplo, el efecto tiene que ser impecable, que no se note que es falso.
Y hay efectos por todos lados, en cada película, que ni te imaginas. Cosas tan absurdas como cambiar el modelo de celular que un actor tiene en la mano. Te preguntarás, ¿por qué no usan el mismo celular durante toda la filmación? A veces es por cuestiones de marcas, contratos, cosas que no tienen nada que ver con la película en sí. Me ha tocado cambiar celulares en posproducción, y aunque a veces no tiene sentido, el tiempo y el dinero mandan en la industria.
Pero claro, no por ser invisible un efecto es mejor que uno complejo, como un terremoto con explosiones y destrucción por todos lados. Son cosas distintas. Así que sí, un efecto invisible está perfecto, pero no necesariamente es el mejor, a veces simplemente es más sencillo de lograr.
